4.2 – Orientación:
La importancia de la orientación de la luz es tan grande que esa es la razón fundamental por la que separamos la luz del flash de la cámara.
La orientación de la luz, de dónde viene la luz con respecto a lo que iluminamos, es absolutamente vital, una luz frontal, como la que proyecta el flash montado en la cámara, ya hemos visto que «aplasta» los volúmenes y deja la imagen plana, mientras que una luz lateral hace justo lo contrario.
De nuevo hay que resaltar que no hay luz buena y luz mala por sí misma. Uno podría pensar que la luz frontal es mala y cualquier otra es buena, pero no es así, la luz frontal, satura mucho los colores y, por ejemplo, en el caso de los retratos, esconde las imperfecciones de la piel.
Yo distingo tres grandes grupos de luz:
-Frontales: Las que colocamos delante del objeto a fotografiar. Suelen ser luces principales.
-Laterales: Obviamente las que colocamos a uno o a los dos lados. Suelen ser luces se cundarias.
-Traseras: Las que se ponen detrás de lo que iluminamos.Suelen ser luces secundarias.
La mejor manera que conozco de explicar las luces es imaginar que lo que fotografiamos, por ejemplo una modela, sea el centro de un reloj imaginario, y usemos la nomenclatura horaria para referirnos a la situación de la luz, teniendo en cuenta que la cámara serían las 6 horas. En realidad esta nomenclatura no es que sea ni muy académica ni muy importante, es solo una manera de poder explicarte de dónde vienen las distintas luces en cada foto.
Según ese esquema horario las luces quedarían así:
-Frontales: Entre las 4 y las 8
-Laterales: Entre las 3 y las 4 por un lado, y las 8 y las 9 por el otro
-Traseras: Entre las 10 y las 2
En este ejemplo, la luz le llega a Penélope por su derecha, aproximadamente a las 8 (mira la sombra de su nariz o su barbilla para verlo).
Hay que tener en cuenta también la altura de la luz, Penélope tiene la luz bastante por encima de su cabeza, lo puedes detectar fijándote que las sombras de la nariz y la barbilla se alargan bastante hacia abajo.
Nota: Hay una segunda luz por detrás que es la que ilumina la pared de cristal que tiene por detrás.
Como has podido comprobar, he escrito en la descripción de los tres tipos de luz varias veces la palabra “suele”, y es que en esto, como en casi todo en fotografía, nada es absoluto.
Las luces laterales y traseras no suelen ser la luz principal, se suelen usar para separar algo del fondo, por ejemplo se usan mucho para que la cabeza de una modela morena no se funda con un fondo oscuro, pero nada impide que uses una luz lateral, o trasera, como luz principal.
Esta otra fotografía de Penélope, se realizó con un flash a las 2h y otro a las 9h aproximadamente. Es decir, una fuente de luz trasera, que es la que le ilumina la cara, y una 100% lateral que ilumina y perfila su pelo y la parte posterior de las piernas.
En realidad el esquema de luz es casi el mismo en las dos fotos, lo único que ha cambiado es la orientación de la «modela».
Pedí a Penélope que se girara de forma que la luz que en la primera foto era posterior y a ella no le afectaba, ahora se convirtiera en luz principal e iluminase su cara, y la luz que en la primera fotografía era principal, en este segundo caso es luz secundaria y solo perfila.
No recuerdo exactamente si hice algún cambio mas, probablemente si, en la potencia de cada una de las dos luces, pero la orientación es idéntica en las dos fotos.
Veamos dos ejemplos de luz trasera usada como luz secundaria. Personalmente uso mucho la luz trasera (o de contra) para separar a las modelas del fondo, y a menudo ese trabajo no lo hace ningún flash, lo hace el sol, pero puesto que este es un curso de flashes, vamos a ver un ejemplo de luz de contra que sea flash.
¿Ves es halo de brillo alrededor de la cabeza de la modela? Eso es un flash que está colocado justo por detrás de ella (a las 12h) y apuntando a cámara. Si ese flash no estuviera, los bordes de la cabeza no se distinguirían, es decir, su cabeza se fundiría con el fondo (en fotografía solemos decir que se «empasta» con el fondo).
Para este tipo de luces yo suelo usar flashes desnudos, me gusta que esa luz sea dura, y además, al ser mas pequeña, es mas fácil de ocultar detrás.
Además de esa luz de contra a las 12h, esa foto lleva, como luz principal, una a las 5h, montada sobre un paraguas (de las poquísimas veces que usé ese modificador, ya lo veremos mas adelante). Luz blandita.
Veamos ahora un ejemplo en el que la luz trasera es la única luz de la foto.
Una sola fuente de luz, un flash desnudo, detrás de la modela (12h) y apuntando a la pared.
Así de simple.
El flash está desnudo, lo que nos puede llevar a pensar que es una luz dura, pero en realidad está rebotado a la pared, por lo que su superficie es enorme, así que técnicamente es una luz blanda.
En este caso nos es indiferente, o casi, por que esa luz apunta a la pared, no a la modela. Pero es luz blanda, eso es irrefutable.
Nota: En esta, como en otras fotos que he usado de ejemplo, la luz está tintada de color, pero eso es algo que veremos mas adelante, por eso no lo he tratado.
Hasta ahora hemos hablado de la posición de las luces en el plano horizontal, en vertical pasa algo muy similar, pero no quiero complicarlo demasiado, me basta de momento con que sepas que:
-Luz desde arriba : Es la luz ideal en la fotografía de personas, estamos muy acostumbrados a ella, ya que el sol nos suele iluminar así, o las bombillas de casa, así que nos resulta familiar y agradable a la vista. No pienses en luz directamente vertical, no tiene que ser necesariamente así, cualquier luz que esté por encima de los ojos ya es “luz desde arriba”.
-Luz desde abajo : ¿Recuerdas de pequeño de jugar a convertirte en un ser siniestro a base de colocarte una linterna debajo de la barbilla y apuntando hacia arriba? Pues eso, esta luz da una apariencia siniestra. Eso no significa que no se deba usar en retratos, de hecho se usa, y bastante, pero casi nunca como luz principal.
4.3- Color:
El color de la luz es otro factor que contribuye a darle a la foto “ambiente”, por ejemplo, la luz del atardecer nos encanta a los fotógrafos por que es cálida, y eso es favorecedor para los retratos.
Una de las cosas mas divertidas de esto de usar flashes de mano, es que podemos pintar fácilmente la luz del color que queramos.
Para pintar la luz usaremos filtros de plástico (acetato) de colores. En muchos sitios los verás denominados como “geles”, pero eso proviene de su denominación inglesa, para mi son filtros.
Esas pequeñas piezas de plástico de colorines son muy económicas y extremadamente versátiles. En el mercado hay varios sistemas, pero en mi opinión lo más práctico es lo mas simple. No me gustan los sistemas que consisten en una pieza de plástico que se acopla al flash y a la que después hay que colocar el filtro deslizándolo por una ranura.
Mis flashes tienen todos unos trocitos de velcro autoadhesivo y cada filtro tiene pegado lo mismo. De esa forma no tengo que ser muy cuidadoso, sencillamente coloco el filtro delante del flash y lo pego con los velcros. Rápido, sencillo y muy económico.
Los filtros se dividen en dos grandes grupos:
-Correctores de temperatura: En principio pensados para corregir fuentes de luz. Así por ejemplo, si estamos haciendo fotos en una estancia iluminada con tubos fluorescentes, que es muy verdosa, deberíamos poner en el flash un filtro verde, para lograr así que ambas fuentes de luz se igualen y tengan la misma tonalidad (el término correcto sería la misma temperatura de color).
Es muy similar a lo que se hace con los filtros de color en los objetivos, salvo que en este caso lo que queremos es igualar las fuentes de luz, no corregirlas. Lo veremos mas claro con los ejemplos.
Los anaranjados son para dar calidez, y muchos los denominan por sus siglas en inglés CTO (Color Temperature Orange, o Temperatura de Color Naranja).
Los azules son para enfriar y se conocen por CTB (Color Temperature Blue, o Temperatura de Color Azul)
Los verdes se suelen usar para igualar la luz de los fluorescentes.
Cada uno de estos suele venir en 3 densidades distintas, 1/4de paso, 1/2paso y un paso completo o FULL.
Mi consejo de todo a 100 es que escribas con rotulador en cada filtro las iniciales del color y la intensidad para que sea luego mas fácil diferenciarlos. Si no lo haces así tendrás que andar comparando cada uno con los otros filtros para ver si es de 1/4 de paso, de 1/2 o de paso completo…
En esta foto puedes ver las dos familias de filtros, los azules y los naranjas, donde se ve que he escrito en cada uno el tipo de filtro que es y todos tienen los trocitos de velcro correspondiente.
De arriba a abajo: FULL CTO (naranja de paso completo), naranja de 1/2 paso, naranja de 1/4 de paso, FULL CTB (azul de paso completo), azul de 1/2 paso y azul de 1/4 de paso.
-Creativos: Son los que se usan para pintar de color, no para corregir o igualar fuentes de luz.
Normalmente son de paso completo. Suelen ser colores mas intensos.
Lo cierto es que, en realidad, nada te impide usar cualquiera de estos filtros de forma creativa, y de hecho es como yo mas los uso. es decir, no pretender igualar la luz del flash con la luz predominante de la escena, si no «pintar de color la luz» casi a modo teatral.
Pintar la luz de color lo podemos hacer por dos razones:
-Para corregir una dominante de color que haya en la luz ambiental, o potenciarla.
-¡Porque mola! Es decir, por razones puramente creativas.
Veamos el primer caso. En una puesta de sol, la luz ambiental es luz muy cálida, por lo que si la mezclamos con la luz del flash, que es frío, quedará muy raro, muy poco creíble. Pero ponle un filtro cálido a tu flash y verás cómo ambas luces se funden sin problema.
En esta foto la «modela» está iluminada por un solo flash (4h), montado sobre una ventana y con un filtro cálido, creo recordar que 1/2CTO, es decir, anaranjado de medio paso. Eso me permitió igualar la luz del flash con la calidez de la luz del atardecer, y de paso dar calidez a la piel que suele quedar siempre bien.
Y veamos ahora un uso 100% creativo del color.
En esta foto el fondo está pintado con un flash desnudo que lleva un filtro magenta, y la modela recibe luz de un flash por delante que lleva un filtro de 1/4CTO, es decir, anaranjado y de solo un cuarto de paso.
En esta otra imagen, al fondo hay un flash con un filtro azul de un paso completo (FULL CTB) que ilumina la pared mientras que la «modela» lleva un flash con un filtro naranja suavecito de solo un cuarto de paso (1/4 CTO), lo justo para darle un poquito de calidez a la piel.
Si vuelves hacia atrás a los ejemplos que he puesto en otros apartados es muy probable que identifiques fácilmente cuándo se han usado filtros de color.
4.4 – Intensidad:
De todas las cualidades de la luz es, posiblemente, la mas evidente, la intensidad de la luz es, sencillamente, cuánta luz hay. Puesto que hablamos de flashes, centrémonos en ellos.
He leído en muchos sitios explicaciones la mar de sesudas y científicas sobre ratios de luz, sobre cuánta luz hay que usar en tal o cuál circunstancia, etc… la verdad es que no creo que sea necesario saberse todo eso, y mucho menos en la era digital en la que estamos, donde vemos al instante la foto que hemos hecho.
En realidad la regulación de la intensidad de luz es muy simple:
¿Hay poca luz? Pon mas.
¿Hay demasiada luz? Quita algo.
Suena hasta ridículo, pero es real. Hay cuatro maneras de variar la intensidad de la luz.
-En el flash:
-Subir o bajar la potencia del flash.
-Alejar o acercar el flash a lo que iluminamos.
-En la cámara:
-Abrir o cerrar el diafragma.
-Aumentar o reducir la sensibilidad (ISO).
La opción mas obvia es la primera, subir o bajar la potencia del flash me va a dar mas o menos luz. Obvio. No hay mas que explicar.
Tampoco creo que merezca la pena explicar que si alejo el flash de lo que esté iluminando pierdo intensidad, y viceversa (aunque sería bueno recordar la ley de cuadrado inverso que vimos en la anterior entrega), así que me voy a centrar en explicar cómo afecta el diafragma y la sensibilidad, y sobre todo, por qué no afecta el tercer parámetro de la fotografía, la velocidad de obturación.
Velocidad de obturación y flash:
En la fotografía con luz continua, sin flashes, la velocidad de obturación la usamos generalmente para congelar el movimiento, sin embargo esto cambia radicalmente cuando la luz es un flash.
Hay un concepto del que no hemos hablado hasta ahora, y del que hay que hablar en este momento, porque juega un papel crucial en todo esto: la velocidad de sincronía de la cámara.
Mas adelante entraremos mas en detalle sobre esto, de momento que sepas que la velocidad de sincronía es la velocidad máxima a la que puedo disparar con flash sin que aparezcan las consabidas bandas negras.
Fíjate en la zona inferior de esta foto, se aprecia claramente una banda oscura, casi negra (no es negra del todo por que hay luz natural en la escena, y esa es la que ilumina esa zona, no el flash. Si te fijas bien, solo se ve el final de las tuberías al fondo, que es lo que recibe luz natural, el interior de los tubos está negro), eso es provocado por superar la velocidad de sincronismo de mi cámara. la foto se tomó a 1/320 de segundo, cuando la velocidad de sincronismo de mi cámara es 1/200.
La palabra clave en esta relación de la velocidad de obturación y el flash es “duración de destello”.
El flash, que no deja de ser una bombilla que se enciende y se apaga, lo hace con una velocidad pasmosa, cada modelo es diferente, pero digamos que la duración mas lenta de un destello de flash está en torno a 1/800 de segundo, y la mas rápida 1/50.000 de segundo… es decir MUY, MUY, MUY rápido.
Si nos mantenemos por debajo de esa velocidad de sincronía (por lo general suele ser 1/200 o 1/250 en casi todas las cámaras), es evidente que el flash es muchísimo mas rápido. Por eso, la variación de la velocidad de obturación no afecta en absoluto al flash, da lo mismo que dispares a 1/20 de segundo o a 1/125 de segundo, el destello del flash es mas rápido que eso, por lo que su efecto impregnará toda la escena.
¿Entonces te has de olvidar de ese parámetro? Pues no, a no ser que tu única fuente de luz sea el flash. Si estás mezclando luz de flash con luz continua, cosa que sucede casi siempre en exteriores, alterando la velocidad de obturación alteraremos la cantidad de luz ambiental que dejamos que se cuele en la fotografía.
Como digo, esto es algo de una importancia tremenda cuando estamos disparando en exteriores, así que déjame que lo recalque:
Velocidad de obturación lenta = Mas luz ambiental en la foto
Velocidad de obturación rápida = Menos luz ambiental en la foto
Fíjate en estas dos fotos, los parámetros en ambas fueron todos idénticos, salvo que en la de la izquierda bajé algo mas de un paso la velocidad de obturación, por lo que permití que todo lo que no está iluminado por el flash se aclare. Si, la «modela» también está ligeramente mas iluminada, y tiene lógica, se le ha sumado la luz del flash, y la luz ambiente.
Diafragma y flash:
Así como en la fotografía con luz continua (sea esta natural o no) el diafragma lo usamos para controlar la profundidad de campo, en el caso de la fotografía con flash, el diafragma nos va a servir, además de lo anterior, para regular cuánta luz de flash nos entra en el sensor.
Diafragma abierto = flash más potente
Diafragma cerrado = flash ménos potente
La razón es bien sencilla, si el agujero por el que entra la luz es mayor, entrará mas luz, y si es menor, pues entrará menos. Es decir, si abres el diafragma es como si le dieras mas potencia a tu flash, y viceversa.
Sensibilidad (ISO) y flash:
Aumentar o disminuir la sensibilidad a la que trabajamos tiene el mismo efecto que abrir o cerrar el diafragma, es decir:
ISO alta = flash más potente
ISO baja = flash ménos potente
Si estamos trabajando en exteriores, mezclando luz ambiental con flash, hemos de tener en cuenta que ambos parámetros siguen afectándonos.
¡Nos vemos en 7 días! Recordad que podéis, casi debéis, dejar vuestras sugerencias, comentarios, dudas o ideas en el apartado de comentarios de esta entrada. ¡Gracias!